原创《小议四两拨千斤——听中国序曲》：该文是关于四两拨千斤论文范文，为你的论文写作提供相关论文资料参考。
17年5月8日晚,“中国序曲——中国交响乐作品音乐会”由张亮指挥执棒上海爱乐乐团,在上海交响乐团音乐厅精彩上演.该场音乐会集结了7位现活跃在国内外专业音乐舞台,并曾于上海音乐学院学习或教学的中国当代作曲家,上演了7部和“中国情境”相关的现代交响音乐作品.具体包括：叶国辉的管弦乐《中国序曲》（1998）、陈牧声的第一大提琴协奏曲《纪念》（2011）、秦文琛的唢呐协奏曲《唤凤》（1998）、沈叶的二胡和乐队《柔板》（2015）、温德青的管弦乐《情歌和船夫号子》（2010）、盛宗亮的管弦乐《红楼梦序曲》（2016）以及许舒亚的交响组曲《海上丝路》第四乐章《启航》（2015）.这些作品展现了作曲家们对中国传统文化内涵的理解,以及用当代交响乐语言诠释的不同探索,使得该场音乐会成为第34届“上海之春”国际艺术节的突出亮点,并且颇具研讨和分析的意义.
一、简单述评
“中国序曲”音乐会中涵盖的是自1998年到2016年的交响音乐作品,主要处于2000年之后的中国当代音乐创作多元化的新时期.这些曲目整体音乐语言较新颖、技术娴熟、个性突出、风格鲜明,不仅具有较高的艺术价值,还具有一定的可听性.下文将从素材、配器和句法气息等创作技术方面简单述评.
(一)传统的调性主题素材
该场音乐会都采用了可听性较高的调性素材作主题,并多以西方共性写作时期发展起来的、近现代的作曲技法来展衍音乐.即,触碰调性主题素材,前置“主题-动机”是共通点.创作手法和思路的“回归”,检验的是专业作曲的坚实基本功,同时,亦在传统有限的框架中考验重构的“再生”能力.叶国辉的管弦乐《中国序曲》和沈叶的二胡和乐队《柔板》就是出于向传统封闭性结构挑战而创作.前者以《义勇军进行曲》为素材,根据这个充满中国近代历史感主题的特质,作曲家着笔于用调性和声来推动音乐,并贯以弦乐为基础做配器.动机素材在模进中拓展结构,音色的自然过渡渐变从而达到了不断深化音乐情境的效果.后者以二胡演奏家孙文明曲调为素材,将原来只有两分多钟、多次重复的二胡独奏旋律拓展为八分多钟的交响音乐,作曲家谦虚署名为“改编者”.实质上,“以创造应和创造”就是将既有的旋律素材作为“起点”,虽然奉之为“主题”,但作品整体结构以音色配器布局,音乐情绪随着音响的丰富和结构的展开而进入纵深.可以说,这两部作品都是挑战既有的传统素材的较成功例子.此外,许舒亚的交响组曲《海上丝路》第四乐章《启航》也有主导动机式的调性主题.这些素材凝练而特征鲜明,每次呈现和特定场景结合.即,传统调性素材的可感（可唱）性仿佛被“角色化”,成为了聚焦听觉的“记忆点”.在不断变化重复中,主题强调深化,同时“掩饰”着结构的不断拓展和音色的不断更替.这些作品直面调性主题素材,不囿于传统封闭框架的束缚,能同时充分调动节奏、音色、力度、音区、速度、密度等各个音乐参数,从而获得良好效果.所以,不论时代,技法语言只为音乐服务.
(二)交响乐的写作
音乐会的曲目除了秦文琛和温德青的作品,主要以世纪之交的晚期浪漫派风格来配器,努力将虚拟场景“立起来”,讲究音响的丰富“造型”,整体音响饱满、宏大、均衡.其中,沈叶对“弱奏”的声部细分配器,以及对二胡和交响乐的抗衡的控制,展示了用西洋管弦乐队“实写”中国传统“虚”的意蕴的成功探索.如,二胡首次呈示时,在极高音区的纤细线条和含有泛音的、声部细分的弦乐音响层相结合,上“虚”下“实”的配置使旋律得以清晰展示,力度变化和对位化的和声赋予了背景独立的音乐起伏.此外,乐队音响局部勾勒二胡独奏的结构点,以及二胡泛音跃动和弦乐拨奏相映成趣的变奏乐段都是颇为成功的配器例子.
秦文琛的唢呐协奏曲《唤凤》原为唢呐和民族管弦乐队而作,本次演出,改为了唢呐和西洋管弦乐队合作.乐曲以西洋管弦乐取代民乐版的唢呐独奏开篇,总时长缩短约5分钟.对比民乐队版,作曲家把精力集中在独奏唢呐如何和西洋乐队整体抗衡的问题上.于是,民乐队版中起着背景氛围作用的打击乐,在交响乐版中被“前置”,和全奏一起构成强而有力的点,勾勒唢呐独奏的旋律结构；民乐版中唢呐和乐队多个音色独立的民族乐器闪烁互动的效果不再.取而代之的是,铜质的中国打击乐完全跳出西洋管弦乐队,和唢呐的高音区相辉映.在乐队帕萨卡里亚和最后推高结束的部分,较之民乐队,交响乐更能以清晰的层次为唢呐铺垫和推高.
同样是民乐器独奏和西洋管弦乐队抗衡,对比两位作曲家截然不同的處理手法.显然,沈叶的谨慎使无论二胡抑或西洋乐队的声部,几乎没有损失地清晰可见,精湛的平衡控制技术,最终成就了以孙文明作曲为名的二胡旋律曲调.而秦文琛的率性,甚至偶尔恣意的“失衡”,却使观众仍为这20年前首演的作品的创新称道.即,交响乐的写作当中,配器是一个问题,创作是另一个问题.
(三)“气息”的控制
如果说,能否写作宏大结构、庞大编制的交响乐是判别一个作曲家专业程度的主要标准的话,那么,是否能游刃有余地克服各种技术难题,充分调动各种音响,让整个乐队“甩动”起来就是专业作曲家成熟和否的重要根据.这里的“游刃有余”,笔者以为常体现在对音乐句法“气息”的控制.尤其是“悠长气息”的把控,很能体现作曲家对交响乐创作技术的驾驭能力.
在音乐会中,多位作曲家的作品都有悠长气息的段落.如,叶国辉的作品从弦乐独奏主题开始,然后逐渐加入铜管,各复调线条交错攀爬推高至全奏,整个延绵不断的部分持续了5分多钟.音响由简而繁,场景由远而近,情绪不断纵深.该部分的整体增长思路清晰,效果良好.也许唯一不足的地方是, 句铜管出来的时候欠支撑,全奏的辉煌稍纵即逝.陈牧声《纪念》的引子也颇具想法：管钟贯穿,弦乐、木管、铜管音响徐徐加入,轮番陈述主题及其变形.音响内容不断丰富,音乐情境不断纵深.整个段落共持续了三分多钟.音色想象丰富,“纪念”的情景感人至深.可惜的是,全曲余下的时间仿佛再没有如此突出的悠长气息的段落.
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